Eternal Sunshine of the Spotless Mind

Me gusta pensar que el problema soy yo, que estoy empecinado en ver a Jim Carrey y pensar en Ace Ventura. Tengo una sensación que me sugiere que si esta película hubiera tomado lugar en un lugar diferente, un poco arrimada al futuro, con algo más de presupuesto y con actores totalmente desconocidos, estaría hablándoles de una pieza maestra. No obstante, la película más que justifica sus 108 minutos de duración.
La idea básica es la siguiente: observando la actividad cerebral (por ejemplo, mirando dónde se quema glucosa) podemos asociar determinados pensamientos a regiones muy particulares del cerebro. El interrogante que abren los escritores es inmediato: si pudiéramos trazar un "mapa" de dónde se alojan los recuerdos asociados a, por ejemplo, una persona en particular... no estaríamos en condiciones de borrarlos selectivamente para no dejar rastro de esa persona en nuestra mente? Y si esta tecnología estuviera disponible: ¿Borrarías a esa ex-novia/o de tu cabeza? ¿Eliminarías todo recuerdo de esa mascota que tanto extrañas? ¿Y de un familiar fallecido?
La película descuida muchos puntos a través de la trama, pero hay dos puntos que merecen especial atención: i. El "recorrido" por tu propia cabeza es fantástico; ii. Utiliza un final ingenioso , pero sin abusar de la atención del público.

Trailers Soundtrack IMDB
Director: Michel Gondry.
Writers: Charlie Kaufman y Michel Gondry.
Starring: Jim Carrey, Kate Winslet y Kirsten Dunst.
Awards: Oscar to "Best Writing, Original Screenplay", 2005.


Nash

A Clockwork Orange

“There was me, that is Alex, and my three droogs, that is Pete, Georgie, and Dim, and we sat in the Korova Milkbar trying to make up our rassoodocks what to do with the evening. The Korova milkbar sold milk-plus, milk plus vellocet or synthemesc or drencrom, which is what we were drinking. This would sharpen you up and make you ready for a bit of the old ultra-violence.”

A Clockwork Orange (1971) La Naranja Mecánica relata las aventuras de Alex DeLarge, el anti-héroe de turno, un ferviente amante de Beethoven que dedica sus noches a drograse, violar mujeres, patear ancianos y vagabundos, y desatar furiosas grescas contra otros clanes (un poco de sana ultra-violencia, diría el). Se nos presenta a este personaje en la cumbre de su infamía, disfrutando plenamente de su perversidad como un niño disfruta de sus travesuras, sin tener plena conciencia de lo que ellas representan bajo otros órdenes.

La película da un vuelco inesperado. Se plantea la posibilidad de salvar a un monstruo como Alex, mediante la represión de sus impulsos delictivos a través de la incorporación de un reflejo pavloviano. Lo interesante, y donde radica la verdadera escencia de La Naranja Mecánica, es la discusión que subyace a esta técnica, puesto que, al condicionar a un delincuente, se terminan por violar sus mismísimos derechos. Burgess se encarga de presentarlo maravillosamente puesto que, si bien el condicionamiento a la ultra-violencia podría ser aprobado socialmente, un efecto colateral de la técnica (apropiadamente conocida como la Ludovico Technique) elimina el último resquicio visible de sensibilidad en Alex, su pasión por Beethoven.

La Naranja Mecánica es una de esas pocas películas capaces de alterar nuestra percepción del mundo, afectándonos sobremanera y sacudiendo nuestras conciencias. Es imposible permanecer indiferente ante ella. Ya sea que nos horrorice completamente, la encontremos extraordinariamente divertida, o ambas cosas a la vez, termina volviéndose parte de nuestras vidas. Repleta de escenas y detalles memorables, los personajes, las situaciones límite, la genialidad de Kubric, la descollante actuación de McDowell, la música y hasta el propio lenguaje (el nadsat, una suerte de dialecto con influencia rusa creado por Burgess) no dejan de sorprendernos.

Sumamente violenta, sumamente controvertida, sumamente perturbadora, sumamente conmovedora... Sencillamente, una obra de arte.

Título: A Clockwork Orange / Año: 1971 / Director: Stanley Kubric (basado en la novela de Anthony Burgess)

-Gustavo DeLarge (just singing in the rain)

Soñando despierto

Hablando de estrenos con un amigo, se me ocurrió preguntarle que tal estaba Soñando despierto, y respondió lo siguiente:
"si tenés la sensibilidad de una persona de 9 años es una película hermosa"
A través de los ojos de un Gael García Bernal trilingüe (que se quede con el español, porque hablando francés da un poco de pena) entramos a un mundo de sueños, de fantasías y de una inocencia que solo puede pertenecer a un niño.
La forma en la que se acerca a una mujer, la forma en la que se enamora de otra, la manera en la que trabaja, y la manera de relacionarse con el mundo, son típicas de la niñez, y esto es lo que hace de Soñando despierto una película hermosa.
Pensando en lo que subió Nash acerca del límite entre los sueños y la realidad, y en las tres excelentes películas que nombró (a pesar de que no le gusten los finales, ejem, ejem), recordé lo que había disfrutado ver La science des rêves y haberme dado cuenta que sí, que tengo la sensibilidad de un niño de 9 años, y que eso no tiene absolutamente nada de malo.

Stephane, un chico mexicano extremadamente tímido,
es convencido por su madre para volver a Francia, el lugar donde creció y que
abandonó luego de que sus padres se separaran. Allí conocerá a Stephanie, la
vecina de enfrente, a quien finge no ser su vecino. La película alterna el drama de una vida sin
aliciente, con las comedia de los sueños que sufre el protagonista. Llena de
escenas que mezclan texturas plásticas y cierto realismo mágico.

Título original: La science des rêves
Director: Michel Gondry
Año: 2007

Manhattan

Chapter One: “He adored New York City. He idolized it all out of proportion.” No, make that: “He… he romanticized it all out of proportion.” Yeah. “To him, no matter what the season was, this was still a town that existed in black and white and pulsated to the great tunes of George Gershwin.” Ah, let me start this over.

Manhattan (1979) Si tendría que elegir una película para resumir la obra de Woody Allen, optaría por Manhattan sin pensarlo dos veces (pido perdón a todos aquellos detractores de Annie Hall). Es que esta película contiene todos los elementos que caracterizan a Woody Allen y son llevados a la perfección: grandes monólogos (porque los diálogos son en realidad monólogos en cualquier película de Woody Allen) y excesivas dosis de neurosis. Y si bien Annie Hall puede ser superior en estos aspectos, Manhattan es especial para su director y el espectador. Es que pone en total manifiesto la naturaleza urbana de Woody Allen y su amor por una ciudad magnifica, a la cual no puede dejar de admirar. No solo se detiene en sus rascacielos, Central Park, o el puente de Brooklyn, sino que intenta capturar rincones y situaciones cotidianos, llenos de sentimentalismo. Woody Allen inmortaliza Manhattan y logra transmitir su fascinación por esa ciudad al espectador. Es que no existe otro protagonista que no sea la ciudad en si misma. Ya lo había destacado Víctor Elías (destacado economista tucumano), cuando recomendó esta película en su clase de Desarrollo Económico para “todo aquel que no conozca Manhattan, y también para aquel que si la conoce”.

“What if we shot the picture in black and white? New York is a black and white town” -Woody Allen, Hollywood Ending (2002)

Título: Manhattan / Año: 1979 / Director: Woody Allen

-Gustavo (a metaphor for the decay of contemporary culture)

Adam Sandler - Traumado

Ok, Ok ok ok ok. Me pudrió este pibe (Nash). Si no es de Woody Allen ninguna película es lo suficientemente buena para el. ¿cómo vas a decir que el final de Donnie Darko es malo? ¡¡No entendiste nada!! No voy a decir nada más para no arruinarles el final. Véanla y luego discutimos. Así que no tengo más remedio, acá les dejo mis reseñas.

Reign Over Me (2007): Dos películas de Adam Sandler en serio, esto es sin hacerse el boludo para juntar $$$ y demostrando que además sabe actuar. Alan Johnson (Don Cheadle, Hotel Rwanda) posee todo lo que la vida le puede dar, o eso creía. Un buen trabajo, una increíble esposa, y unos hermosos hijos. Sin embargo, siente que algo no esta bien. Por otro lado, Charlie Fineman (Adam Sandler) ya no tiene trabajo ni familia. Solía tener ambos pero perdió a su familia en los atentados del 11 de septiembre y nunca pudo reponerse, aislándose de todos quienes lo conocían hasta entonces y refugiandose en su consola de videojuegos.

Por mera casualidad Alan reconoce a Charlie en las calles de New York e intenta recordar viejos tiempos con su viejo amigo, para luego darse cuenta que algo anda mal con su amigo. Su amistad será el puntapié que Charlie necesitaba para comenzar a reponerse de su perdida, mientras que Alan se dará cuenta de cuanto aprecia a su esposa e hijos.

Adam Sandler nuevamente increíble, demostrando toda su capacidad actoral. Es cierto, siempre representando personas frustradas o con algún tipo de problema psicológico. Pero no por ello menos emotivo, y siempre haciendo imposible para el espectador reír desenfrenadamente. Como me dijo Ani, una película tragicómica.

Trailer

Director/Writer: Mike Binder
Release Date: 23 March 2007 (USA)
Cast: Adam Sandler, Don Cheadle, Liv Tyler

Punch-Drunk Love (2002): In-cre-í-ble. Les diría que si no les gusta Adam Sandler la vean igual, solo por una escena, cuando van en la camioneta y... La ven y me cuentan si más de una vez no quisieron bajarse del auto con la barra en mano y ...

En esta película el director Paul Thomas Anderson (Boogie nights y Magnolia) presenta una historia maníaco-depresiva sobre Barry Egan (Adam Sandler), un personaje al borde -colgado con las uñas creo que se aproxima mejor- de la salud mental. Una mezcla entre sátira animal y cuento de hadas, Anderson cuenta la historia de un hombre disfuncional por donde se lo mire (patético, solitario, fóbico, ansioso y con súbitos arranques violentos) que se enamora de Lena (Emily Watson), una inglesa divorciada que trabaja con una de las siete venenosas hermanas de Barry Egan.

La trama se nutre de impactantes escenas que componen una coreografía de miserias, frustraciones, inhabilidades, resentimientos, fantasías y contradicciones de un vendedor de productos sanitarios cuyo mayor interés -obsesión- reside en acumular millas para pasajes aéreos gracias a la oferta promocional de ¡postrecitos! (¿Llegará a sumar así las 1.200.000 millas que planea?)

Trailer

Director/Writer: Paul Thomas Anderson
Release Date: 20 March 2003 (Argentina)
Cast: Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour Hoffman

Chacho (próximamente, Fight Club)

Irrealidad bastante real X3

El compilado de hoy corresponde a tres películas que trabajan el límite entre la ficción y la realidad (para el primer caso), y los sueños y la realidad (para el segundo y tercer caso).
Stranger than Fiction es excelente en muchos aspectos (probablemente la idea no sea original, pero eso no le quita mérito). Una escritora y el personaje principal de su libro viven en en mismo mundo (particularmente en la misma ciudad). No se supone que deben cruzarse, pero el personaje encuentra la forma de dar con su guionista. Si aparece alguien en tu oficina y te dice que es un personaje de tu libro, te pide el draft del mismo y luego te ruega que no escribas el final trágico: ¿qué harías?. En términos generales la película no termina de convencer, pero igual vale la pena verla.

Director: Marc Forster.
Escritor: Zach Helm.
Nacionalidad y año: U.S.A. (2007).

La película comienza con un adolescente (Donnie) que se despierta en medio de la noche ante la presencia de una persona completamente disfrazada de conejo diabólico, que le pide que se retire de su hogar. Una vez fuera, le dice que en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos el mundo se acabará. Como si esto fuera poco, en la cama donde dormía Donnie cae una turbina de avión.
Creo que tiene uno de los finales más decepcionantes de los últimos tiempos (teniendo en cuenta la genialidad con la que arranca la película). Pero si te gustan "muy informalmente" las teorías sobre las curvaturas del espacio tiempo, los agujeros de gusano, etc., la película es definitivamente para vos.

Director y escritor: Richard Kelly.
Nacionalidad y año: U.S.A. (2002).

Empiezo con la advertencia: la película puede ser muy aburrida por momentos, y la propuesta gráfica puede llegar a ser muy molesta. Ahora vamos a justificar al director y escritor: es el resultado de intentar poner en escena una propuesta tan original como desafiante, que consiste en presentar las cosas tal cual están pasando en la cabeza del protagonista.
Mostrar verazmente los pensamientos en la pantalla entonces requiere que sean tan desordenados y complejos como en la realidad.
Segunda advertencia: casi toda persona que hace cosas brillantes en un ámbito muy circunscripto (e.g. un futbolista), muchas veces se anima a actuar en otros ámbitos como si fuera igual de brillante (e.g. hablando del ciclo económico), cuando en realidad no tiene ningún tipo de capacidad. Bueno, este director pecó en esa dirección, dando una visión filosófica de la vida que bien vale la pena no escuchar.

PD: No obstante, también hay personas que son capaces de hablar como si fueran expertos siendo en realidad completos incompetentes en todas las disciplinas, como es el caso del Chavo Fucks.

Director y escritor: Richard Linklater.
Nacionalidad y año: U.S.A. (2002).

Nash

Acción X3

Hoy presento un pack de tres pelis de acción con espíritus muy similares (de hecho, dos de ellas comparten director), y sobre todo guiones muy creativos. El orden de presentación es aleatorio.
Primero me dedico a Ultraviolet, una joyita basada en un comic europeo. El guión es bastante simple: en el futuro un virus genera una raza de "vampiros", con la cual los no-infectados encuentran dificil convivir. El gobierno descubre un arma biológica capaz de exterminar a los "hemófagos", y nuestra protagonista se propone destruirla.

Nacionalidad y año: U.S.A, 2006.
Director: Kurt Wimmer.

En Equilibrium, la idea de "tutelaje" es tan bien presentada como en su par "I Robot". Supongan que se pueden diseñar drogas para que los individuos estén "felices" todo el tiempo. Pero la naturaleza humana no nos permite disfrutar de dicha "felicidad" si sabemos que nos están obligando a abrazarla. Entonces el gobierno decide que lo mejor para la población es "encargarse" de que los individuos consuman la droga "ordenadamente". La peli es imperdible.

Nacionalidad y año: U.S.A., 2003.
Director: Kurt Wimmer.

Aeon Flux es quizás la más floja de las tres. Además de escenas de acción muy bien trabajadas, la propuesta de la película es más que intrigante: en el siglo XXV un virus extermina la mayoría de la población en la Tierra. En la última ciudad, Bregna, gobierna un dictador que proteje del mundo exterior a los ciudadanos con una muralla. Las mujeres son estériles, por lo que los científicos decidieron clonar a los individuos (que, en consecuencia viven más de una vida!).

Nacionalidad y año: U.S.A., 2005.
Director: Karyn Kusama.

Nash