Manhattan

Chapter One: “He adored New York City. He idolized it all out of proportion.” No, make that: “He… he romanticized it all out of proportion.” Yeah. “To him, no matter what the season was, this was still a town that existed in black and white and pulsated to the great tunes of George Gershwin.” Ah, let me start this over.

Manhattan (1979) Si tendría que elegir una película para resumir la obra de Woody Allen, optaría por Manhattan sin pensarlo dos veces (pido perdón a todos aquellos detractores de Annie Hall). Es que esta película contiene todos los elementos que caracterizan a Woody Allen y son llevados a la perfección: grandes monólogos (porque los diálogos son en realidad monólogos en cualquier película de Woody Allen) y excesivas dosis de neurosis. Y si bien Annie Hall puede ser superior en estos aspectos, Manhattan es especial para su director y el espectador. Es que pone en total manifiesto la naturaleza urbana de Woody Allen y su amor por una ciudad magnifica, a la cual no puede dejar de admirar. No solo se detiene en sus rascacielos, Central Park, o el puente de Brooklyn, sino que intenta capturar rincones y situaciones cotidianos, llenos de sentimentalismo. Woody Allen inmortaliza Manhattan y logra transmitir su fascinación por esa ciudad al espectador. Es que no existe otro protagonista que no sea la ciudad en si misma. Ya lo había destacado Víctor Elías (destacado economista tucumano), cuando recomendó esta película en su clase de Desarrollo Económico para “todo aquel que no conozca Manhattan, y también para aquel que si la conoce”.

“What if we shot the picture in black and white? New York is a black and white town” -Woody Allen, Hollywood Ending (2002)

Título: Manhattan / Año: 1979 / Director: Woody Allen

-Gustavo (a metaphor for the decay of contemporary culture)

Adam Sandler - Traumado

Ok, Ok ok ok ok. Me pudrió este pibe (Nash). Si no es de Woody Allen ninguna película es lo suficientemente buena para el. ¿cómo vas a decir que el final de Donnie Darko es malo? ¡¡No entendiste nada!! No voy a decir nada más para no arruinarles el final. Véanla y luego discutimos. Así que no tengo más remedio, acá les dejo mis reseñas.

Reign Over Me (2007): Dos películas de Adam Sandler en serio, esto es sin hacerse el boludo para juntar $$$ y demostrando que además sabe actuar. Alan Johnson (Don Cheadle, Hotel Rwanda) posee todo lo que la vida le puede dar, o eso creía. Un buen trabajo, una increíble esposa, y unos hermosos hijos. Sin embargo, siente que algo no esta bien. Por otro lado, Charlie Fineman (Adam Sandler) ya no tiene trabajo ni familia. Solía tener ambos pero perdió a su familia en los atentados del 11 de septiembre y nunca pudo reponerse, aislándose de todos quienes lo conocían hasta entonces y refugiandose en su consola de videojuegos.

Por mera casualidad Alan reconoce a Charlie en las calles de New York e intenta recordar viejos tiempos con su viejo amigo, para luego darse cuenta que algo anda mal con su amigo. Su amistad será el puntapié que Charlie necesitaba para comenzar a reponerse de su perdida, mientras que Alan se dará cuenta de cuanto aprecia a su esposa e hijos.

Adam Sandler nuevamente increíble, demostrando toda su capacidad actoral. Es cierto, siempre representando personas frustradas o con algún tipo de problema psicológico. Pero no por ello menos emotivo, y siempre haciendo imposible para el espectador reír desenfrenadamente. Como me dijo Ani, una película tragicómica.

Trailer

Director/Writer: Mike Binder
Release Date: 23 March 2007 (USA)
Cast: Adam Sandler, Don Cheadle, Liv Tyler

Punch-Drunk Love (2002): In-cre-í-ble. Les diría que si no les gusta Adam Sandler la vean igual, solo por una escena, cuando van en la camioneta y... La ven y me cuentan si más de una vez no quisieron bajarse del auto con la barra en mano y ...

En esta película el director Paul Thomas Anderson (Boogie nights y Magnolia) presenta una historia maníaco-depresiva sobre Barry Egan (Adam Sandler), un personaje al borde -colgado con las uñas creo que se aproxima mejor- de la salud mental. Una mezcla entre sátira animal y cuento de hadas, Anderson cuenta la historia de un hombre disfuncional por donde se lo mire (patético, solitario, fóbico, ansioso y con súbitos arranques violentos) que se enamora de Lena (Emily Watson), una inglesa divorciada que trabaja con una de las siete venenosas hermanas de Barry Egan.

La trama se nutre de impactantes escenas que componen una coreografía de miserias, frustraciones, inhabilidades, resentimientos, fantasías y contradicciones de un vendedor de productos sanitarios cuyo mayor interés -obsesión- reside en acumular millas para pasajes aéreos gracias a la oferta promocional de ¡postrecitos! (¿Llegará a sumar así las 1.200.000 millas que planea?)

Trailer

Director/Writer: Paul Thomas Anderson
Release Date: 20 March 2003 (Argentina)
Cast: Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour Hoffman

Chacho (próximamente, Fight Club)

Irrealidad bastante real X3

El compilado de hoy corresponde a tres películas que trabajan el límite entre la ficción y la realidad (para el primer caso), y los sueños y la realidad (para el segundo y tercer caso).
Stranger than Fiction es excelente en muchos aspectos (probablemente la idea no sea original, pero eso no le quita mérito). Una escritora y el personaje principal de su libro viven en en mismo mundo (particularmente en la misma ciudad). No se supone que deben cruzarse, pero el personaje encuentra la forma de dar con su guionista. Si aparece alguien en tu oficina y te dice que es un personaje de tu libro, te pide el draft del mismo y luego te ruega que no escribas el final trágico: ¿qué harías?. En términos generales la película no termina de convencer, pero igual vale la pena verla.

Director: Marc Forster.
Escritor: Zach Helm.
Nacionalidad y año: U.S.A. (2007).

La película comienza con un adolescente (Donnie) que se despierta en medio de la noche ante la presencia de una persona completamente disfrazada de conejo diabólico, que le pide que se retire de su hogar. Una vez fuera, le dice que en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos el mundo se acabará. Como si esto fuera poco, en la cama donde dormía Donnie cae una turbina de avión.
Creo que tiene uno de los finales más decepcionantes de los últimos tiempos (teniendo en cuenta la genialidad con la que arranca la película). Pero si te gustan "muy informalmente" las teorías sobre las curvaturas del espacio tiempo, los agujeros de gusano, etc., la película es definitivamente para vos.

Director y escritor: Richard Kelly.
Nacionalidad y año: U.S.A. (2002).

Empiezo con la advertencia: la película puede ser muy aburrida por momentos, y la propuesta gráfica puede llegar a ser muy molesta. Ahora vamos a justificar al director y escritor: es el resultado de intentar poner en escena una propuesta tan original como desafiante, que consiste en presentar las cosas tal cual están pasando en la cabeza del protagonista.
Mostrar verazmente los pensamientos en la pantalla entonces requiere que sean tan desordenados y complejos como en la realidad.
Segunda advertencia: casi toda persona que hace cosas brillantes en un ámbito muy circunscripto (e.g. un futbolista), muchas veces se anima a actuar en otros ámbitos como si fuera igual de brillante (e.g. hablando del ciclo económico), cuando en realidad no tiene ningún tipo de capacidad. Bueno, este director pecó en esa dirección, dando una visión filosófica de la vida que bien vale la pena no escuchar.

PD: No obstante, también hay personas que son capaces de hablar como si fueran expertos siendo en realidad completos incompetentes en todas las disciplinas, como es el caso del Chavo Fucks.

Director y escritor: Richard Linklater.
Nacionalidad y año: U.S.A. (2002).

Nash

Acción X3

Hoy presento un pack de tres pelis de acción con espíritus muy similares (de hecho, dos de ellas comparten director), y sobre todo guiones muy creativos. El orden de presentación es aleatorio.
Primero me dedico a Ultraviolet, una joyita basada en un comic europeo. El guión es bastante simple: en el futuro un virus genera una raza de "vampiros", con la cual los no-infectados encuentran dificil convivir. El gobierno descubre un arma biológica capaz de exterminar a los "hemófagos", y nuestra protagonista se propone destruirla.

Nacionalidad y año: U.S.A, 2006.
Director: Kurt Wimmer.

En Equilibrium, la idea de "tutelaje" es tan bien presentada como en su par "I Robot". Supongan que se pueden diseñar drogas para que los individuos estén "felices" todo el tiempo. Pero la naturaleza humana no nos permite disfrutar de dicha "felicidad" si sabemos que nos están obligando a abrazarla. Entonces el gobierno decide que lo mejor para la población es "encargarse" de que los individuos consuman la droga "ordenadamente". La peli es imperdible.

Nacionalidad y año: U.S.A., 2003.
Director: Kurt Wimmer.

Aeon Flux es quizás la más floja de las tres. Además de escenas de acción muy bien trabajadas, la propuesta de la película es más que intrigante: en el siglo XXV un virus extermina la mayoría de la población en la Tierra. En la última ciudad, Bregna, gobierna un dictador que proteje del mundo exterior a los ciudadanos con una muralla. Las mujeres son estériles, por lo que los científicos decidieron clonar a los individuos (que, en consecuencia viven más de una vida!).

Nacionalidad y año: U.S.A., 2005.
Director: Karyn Kusama.

Nash

Northfork (2003)

La historia sucede en Montana EE.UU, en un pueblo llamado Northfork, en el año 1955. En este estado se instalará una represa cuyo embalse dejará sumergida una inmensa región que incluye al pueblo. Para poder comenzar la inundación se contrata a seis personas para evacuar a aquellos pobladores que se niegan a dejar sus casas para trasladarse a tierras más elevadas aún conociendo el fatal destino que se aproxima.

Entre las personas que se quedan se encuentra un sacerdote y un niño huérfano, sumamente enfermo y agonizante, abandonado por su familia adoptiva que decide devolverlo al considerar que no pueden trasladarse con el niño en estas condiciones.
Existe un paralelismo a lo largo de toda la trama entre el fallecimiento del niño y el final inevitable del pueblo que agoniza.

El contexto histórico-social presentado es una pequeña población ubicada en los años cincuenta, en la que quedan solo algunas familias y su estructura social se encuentra completamente desquebrajada por la ineludible inundación. Esta situación es simbolizada con el aspecto desértico y la falta del muro trasero de la iglesia debido a la forma en que solían trasladarse las edificaciones, que básicamente se mudaban junto con sus dueños. Esto implica terribles consecuencias para el cuidado de la salud del niño, a quien el sacerdote deberá ayudar a atenuar su sufrimiento con los últimos recursos disponibles –algunos antibióticos y mucha oración.

Advertencia: esta sección contiene detalles de la trama y el argumento (pense en vos Juampi, el resto puede leer tranquilamente lo que sigue).

Los agentes evacuadores padre e hijo, simbolizan dos visiones distintas de la muerte y por lo tanto dos actitudes distintas frente a la misma. Esta situación se plantea a través de la voluntad del padre de trasladar los restos hacia tierras más elevadas. Su excusa es el miedo de que el ataúd pierda su lugar bajo tierra una vez que el agua comience a subir, cuando en realidad lo que busca es conseguir un lugar para poder continuar visitando a su esposa. Mientras que la visión del hijo está representada por su negativa al traslado, planteando la creencia de la inviolabilidad de las tumbas, teniendo como sustento la aceptación de la muerte de su madre y que lo que se encuentra en ese ataúd ya no es más su madre y como tal no merece veneración, entendiendo que la mejor ofrenda que se puede ofrecer es mantener en sus memorias el recuerdo de su alegre vida.

Otro aspecto de la muerte tratado en esta película es el pasaje de la tierra al “cielo”. Éste viaje está representado por los últimos momentos de vida del niño en el orfanato, donde un grupo de ángeles intervienen en su viaje hacia el cielo. A lo largo de la trama este viaje está simbolizado por la aparición de plumas en el niño, lo que representa la transformación del niño en ángel. Pero, no solo el niño y el sacerdote deben pasar por el proceso de aceptación de la muerte, sino también los ángeles encargados de acompañarlo en su viaje quienes se niegan a la posibilidad de que sea un niño al que deben llevar consigo.

Es muy interesante la actitud del director Michael Polish que se encargó de dejar en el espectador la responsabilidad de decidir si la presencia de los ángeles forma parte de la realidad o solo era un sueño del niño. Por un lado los agentes evacuadores padre e hijo tienen un contacto con ellos en una de las casas que debían evacuar, mientras que por el otro, si bien el niño tiene un contacto fluido con los ángeles, es posible observar en la mesa que se encuentra al costado de su cama distintos objetos que identificaban a los ángeles y a su viaje.

Otro tipo de actitud frente a la muerte es representado por la reacción que tienen algunos habitantes frente a la evacuación obligatoria de sus hogares. Lo que se intenta mostrar es como la gente prefiere morir antes que tener que abandonar sus hogares. Esta situación se puede observar en el comportamiento de una pareja, que al intentar ser evacuada se resisten con violencia, en la actitud de un individuo que al ver que se acercaban dos agentes de desalojo decidió clavarse literalmente al suelo del frente de su casa, o de un señor con sus “dos esposas”, que se resistían a ser desalojados interponiendo sus creencias religiosas, hasta que las dos mujeres fueron convencidas por los agentes evacuadores, pero no así el hombre quien decide permanecer en su casa y enfrentar su destino.

Este film analiza a su manera -muy interesante por cierto- la aceptación de la muerte, proceso que cada personaje debe superar por sus propios medios; el hecho de morir acompañado, representado por el niño que nunca es abandonado por el sacerdote; la necesidad de recordar y venerar a los muertos, planteado desde una perspectiva antigua y otra más moderna que se contraponen; la voluntad de morir o preferir la muerte antes que abandonar lo más valioso para cada uno, por ejemplo sus hogares; y el miedo a la muerte y “los muertos”, representado por la necesidad del agente evacuador padre, pidiendo perdón a su difunta esposa por haberla cambiado de sepultura.

Aquí finaliza la trama.

En resumen, se trata de la historia de un pueblo agonizante, de un niño cuya vida se extingue, el sacerdote que se hace cargo del niño, y de un padre y su hijo, que se debaten entre distintas visiones sobre el concepto de muerte y su aceptación.

Trailer

Director: Michael Polish
Writers: Mark Polish & Michael Polish
Release Date: 19 November 2003 (France)
Cast: James Woods, Nick Nolte, Daryl Hannah…

Chacho

High Fidelity

Mi guía de cine me mandó una recomendación de una peli de la cual hablamos este sábado. Se las cuelgo:

"Una película no es nada sin su música. Y hay películas tan bien musicalizadas, que su banda sonora merece ser escuchada una y otra vez.

Es el caso de Alta Fidelidad. La historia de Rob Gordon, un teintaniero interpretado por John Cusack, dueño de una tienda de discos viejos, fracasado, y apasionado por la música.

Música que utiliza como disparador para ordenar y a la vez contarnos (en primera persona y hablándole directamente al espectador) su vida, sus desengaños y desventuras amorosas. Logrando una identificación al 100%.

Esta película le canta al desamor, a las rupturas, a los miedos. Adentrándose en el cerebro del hombre como pocas películas lo han hecho. Y lo hace de una manera tierna, y con un humor sutil y muy bien trabajado.

Y además hay cinco (los que ya la vieron entenderán el guiño) razones por las que hay que verla:
-Una excelente banda sonora.
-Un John Cusack impecable.
-Un Jack Black impecable.
-Un lisérgico Tim Robins.
-Una hermosa comedia al mejor estilo Woody Allen.

Hay que verla... y escucharla"

Acá va una de las canciones que acompañan uno de los mejores momentos: dry the rain. En Wiki pueden encontrar el resto de los temas.

El momento que a mi me quedó de la película, fue uno donde el protagonista decidía archivar sus discos no en orden alfabético, ni de estilos, sino cronológico: en el orden en que habían llegado a su vida. Me encantaría hacer lo mismo con mis libros (si no tuviera todo en digital, jaja). Estaría muy bueno ver cómo cambia la composición de libros después de "La Rebelión".

Director: Stephen Frears
Writers : Nick Hornby (book)
D.V. De Vincentis (screenplay)
Release Date: 21 September 2000 (Argentina)
Cast: John Cusack


Nash

El ratón que rugió

Esta es una peli vieja (1959) que en algún momento hay que ver. Recuerdo en alguna clase aburrida de IS-LM a J. Baldrich haciendo referencia a ella.

Lo que importa es la idea del film: en una pequeñísima economía abierta, el ducado de Grand Fenwick, según predice Hescher-Ohlin, la economía se dedica exclusivamente a la exportación de vino. Una imitación americana del producto pone al ducado en una crisis económica. Inspirados en lo acontecido en las guerras, el gobierno de Grand Fenwick decide declararle la guerra a Estados Unidos: luego de derrotarlos, los gringos ocuparían militarmente su territorio y (con los planes de ayuda) Grand Fenwick vería su economía en recuperación.

Con arco y flecha (literalmente) un puñado de "soldados" desembarcan en New York. Una serie de hechos bizarros (pero rabiosamente lógicos) lleva a los guerreros a… apoderarse de la bomba Q, capaz de aniquilar a toda forma de vida en el planeta. Estados Unidos se rinde ante el ducado de Grand Fenwick.

Hace un par de años que la vi, por lo que no recuerdo escenas puntuales. Lo que si recuerdo es haberme divertido mucho leyendo entre líneas una visión infantil y jugosa al mismo tiempo del "orden internacional". Seguramente Chacho les de detalles más puntuales.

Título original: The Mouse That Roared (1959)
Idioma: Inglés
Género: Comedia
Director: Jack Arnold
Autores: Roger MacDougall - Stanley Mann - Leonard Wibberley (novel)
Cast: Peter Sellers ... Grand Duchess Gloriana XII/Prime Minister Count Rupert Mountjoy/Tully Bascombe

Nash